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Praxisbezug als FirmenphilosophieWie Novoflex Lösungen für künstlerisch tätige Fotograf:innen entwickelt

Montag, 23. Januar 2023

In Memmingen im Allgäu produziert Novoflex seit nunmehr 70 Jahren hochwertiges und innovatives Fotozubehör. Das aktuelle Produktportfolio umfasst Geräte für die Panorama- und die Makrofotografie, Stative, Kugelköpfe, Objektivadapter und mehr. Im Interview erzählt Andreas Marx, fototechnischer Leiter bei Novoflex, wie der Innovations- und Produktionsprozess abläuft.

Du bist p: berlin Fördermitglied und arbeitest für Novoflex – was genau machst du dort und wo liegt Deine Expertise?

Andreas Marx: Ich habe eine Ausbildung an der Bayerischen Staatslehranstalt für Fotografie absolviert und 1983 die Meisterprüfung gemacht. In Memmingen habe ich mich mit einem Studio für Werbe- und Industriefotografie selbstständig gemacht. Memmingen ist nicht groß, daher wollte ich mich nicht zu stark spezialisieren und habe mein Portfolio breit gehalten. Viel Produkt-, aber auch Architektur- und Industriefotografie. Auf der Meisterschule habe ich meine Frau kennengelernt, die Porträtfotografin ist und hier in Memmingen ein Studio hat. Zusammen konnten wir das gesamte fotografische Spektrum abdecken. Außerdem hatten wir noch ein Farblabor, das eine Zeit ganz gut lief, bis sich die Digitalfotografie immer mehr durchgesetzt hat.

Wie bist du dann zu Novoflex gekommen?

Das ursprüngliche Firmengebäude von Novoflex befand sich direkt gegenüber von meinem Studio und so ergab es sich, dass ich oft dort war und immer wieder eigene Ideen mitgebracht habe, die wir dann umzusetzen versuchten. Ich hatte Ideen für Teile und kleine Problemlöser beim Fotografieren und wir probierten dann damit herum. So entstand eine enge Verbindung mit dem Unternehmen und um die Jahrtausendwende war ich bereits regelmäßig als Begleiter mit Novoflex auf der Photokina und habe am Stand Kund:innen beraten. Vor zehn Jahren bin ich fest bei Novoflex eingestiegen.

Novoflex ist Fördermitglied bei photography unlimited e.V. – wie kam es dazu und was hältst du persönlich vom Verein und seiner Arbeit?

Ich bin über einen Workshop auf den Verein gekommen. Gemeinsam mit Ralph Rosenbauer habe ich einen Workshop zur Architekturfotografie gegeben. Ich habe Equipment von uns mitgebracht, welches wir im Workshop eingesetzt haben.

War das dein erster Kontakt mit dem Verein?

Nein, zu dem Zeitpunkt kannte ich euch schon. Ich fand die Idee von photography unlimited super, eine Werkstatt für Künstler:innen mit dem ganzen Equipment anzubieten. Besonders schön finde ich, dass bei euch auch die alten Techniken, die analoge Fotografie, noch vertreten sind und man mit den alten Geräten arbeiten kann. Für meine Arbeit nutze ich den Film zwar kaum noch – ich habe viele Jahre meines Lebens in der Dunkelkammer verbracht und habe nicht mehr so viel Freude daran – aber ich finde es toll, dass diese Technik noch genutzt werden kann und so hoffentlich eine Überlebenschance bekommt. Aber auch die digitale Ausstattung bei euch finde ich großartig. Als ich das alles kennengelernt habe, dachte ich gleich, das müssen wir auf jeden Fall unterstützen und da war die Fördermitgliedschaft eine gute Option. Seitdem ist Novoflex dabei.

Du kommst selber aus der fotografischen Praxis. Bringst du deine Perspektive als Fotograf in die Entwicklungsprozesse bei Novoflex ein?

Ja, und das ist mir und der Firma auch ganz wichtig. Ich glaube, das ist auch ein Grund, warum wir erfolgreich sind: Unsere Produkte kommen aus der Praxis und sind praxistauglich. Das ist natürlich nur zum Teil mein Verdienst, früher hat bereits der Seniorchef von Novoflex sehr viel Wert daraufgelegt, diesen Praxisbezug zu bewahren, es gehört also schon immer zur Firmenphilosophie. Seit ich hier als fototechnischer Leiter fest angestellt bin, kann ich selbst mehr Entwicklungen anstoßen und sinnvolle Produkte für Profi-Fotograf:innen entwickeln. Dabei helfen mir auch meine vielen Kontakte, die ich bis heute in die Fotograf:innenszene pflege. Ich bin unter anderem Mitglied im PIC-Verband und im Zentralverband der Fotografen und war mehrere Jahre Obermeister in der Innung hier vor Ort. Auf diesen Wegen versuche ich auch, noch mehr Bewusstsein dafür zu schaffen – denn obwohl der Name Novoflex den meisten bekannt ist, wissen viele erstaunlicherweise noch nicht genau, was wir eigentlich machen.

Was ist es denn genau, was ihr macht? Was macht die Produkte und das Unternehmen Novoflex so besonders?

Grundsätzlich versuchen wir ein Stück weiterzudenken als die anderen. Wir werden die Fotografie natürlich nicht neu erfinden, aber wir können schauen, wie man bestehende Technik besser machen kann – das ist unser Anspruch. Für mich persönlich ist meine Arbeit bei Novoflex eng mit dem Aufkommen der Digitalfotografie verknüpft. Ich habe viel Produktfotografie gemacht und immer eine Sinar Fachkamera genutzt. Da gab es damals ein digitales Rückteil für die Kamera, das aber ca. 70.000 Mark kostete – und „sagenhafte“ drei Megapixel hatte. Aus damaliger Sicht war das natürlich ganz toll, heute wissen wir alle, dass es einfach lächerlich war und mir ist sofort klar gewesen, dass sich so eine Investition in meinem Studio nicht amortisieren wird. Also bin ich zu Novoflex gegangen und wir haben nach Lösungen gesucht. Es gab damals einigermaßen bezahlbare Kleinbild-Spiegelreflexkameras, die ebenfalls drei Megapixel hatten, bei denen man aber keine Tilt-Shift-Verstellung vornehmen konnte. Wir wollten also ein Gerät entwickeln, mit dem man wie mit einer Fachkamera arbeiten kann, das aber als Rückteil mit einer normalen Spiegelreflexkamera funktioniert. So ist das Balpro T/S entstanden, das wir heute immer noch im Sortiment haben. Ich benutze es selber bis heute, und kann da quasi jede beliebige Digitalkamera anschließen. Das ist auch ein Prinzip bei uns: Wir bauen keine Spezialteile für eine spezielle Kamera, sondern unsere Teile sind immer möglichst universell, wie ein Baukastensystem. Ich hatte im Laufe der Jahre eine Canon, dann eine Nikon und jetzt eine Fuji-Mittelformatkamera, und ich musste immer nur für ein paar Euro die entsprechenden Adapter kaufen und konnte sie mit dem System benutzen.

Wie läuft der Entwicklungsprozess bei euch ab?

Entweder wir entwickeln selber Ideen oder Kund:innen kommen auf uns zu und haben Anregungen. Oft fehlt ein bestimmtes Teil für eine Problemlösung oder es gibt bereits etwas von anderen Herstellern und die Qualität stimmt einfach nicht. Dabei gilt es natürlich, abzuwägen, ob sich die Entwicklung eines bestimmten Teils lohnt, ob es genügend Kund:innen gibt, die sich dafür interessieren könnten. Wenn wir der Meinung sind, dass dem so ist, dann fangen wir an, die Idee weiterzuentwickeln. Wir haben ein Team mit mir als Fotografen und zwei Konstrukteuren, die das technische Know-How haben.

Wie geht ihr dann konkret vor?

Zuerst schauen wir, was wir schon im Programm haben und was man abwandeln oder erweitern könnte. So haben wir zum Beispiel zuletzt einen 3-Wege-Neiger entwickelt. Wir hatten bereits Kugelkopf-Stative im Sortiment, weil das für Natur-, Landschafts- sowie Porträtfotografie sehr gut funktioniert. Aber für Architekturfotografie ist ein Kugelkopf nicht optimal, weil die einzelnen Achsen nicht getrennt einzurichten sind. Ich habe schon lange dafür plädiert, dass wir einen 3-Wege-Neiger brauchen und nun haben wir mit der Entwicklung begonnen. Leider ist es sehr viel mühsamer und aufwendiger als gedacht. Vor Kurzem habe ich den ersten Prototypen bekommen und war damit noch nicht zufrieden – wir arbeiten jetzt weiter, bis wir den Ansprüchen von Profi-Fotograf:innen zu 100% genügen.

Was waren denn die Probleme bei der Entwicklung?

Das größte „Problem“ ist wahrscheinlich unser eigener Anspruch, denn im Endeffekt besteht der Neiger aus einem Schneckengetriebe und das ist billig zu bauen, wenn einfach mit relativ großen Toleranzen gearbeitet und anschließend jede Menge Fett reinpumpt wird. Dann läuft das eine Zeit lang gut, aber irgendwann altert das Fett und damit läuft das Gerät nicht mehr geschmeidig. Unser Anspruch ist aber, immer extrem langlebige und hochqualitative Teile zu bauen, die auch reparierbar sind. Wir konnten bis vor zwei Jahren noch Geräte wieder herstellen, die wir vor 50 Jahren verkauft haben. Das muss eine Firma erst mal schaffen. Mittlerweile sind irgendwann die Ersatzteile aufgebraucht und der Mitarbeiter, der die Mängel beheben konnte, ist schon seit langem in Rente. Aber 20 Jahre alte Geräte können wir immer noch problemlos reparieren. Das ist unser Anspruch, aber das macht es dann manchmal nicht leichter.

Das klingt nach einem Prozess, bei dem es oft vor und zurück geht und bei dem man auch mit Rückschlägen umgehen muss …

Absolut, ja. Man muss manchmal schwere Entscheidungen treffen. Ein gutes Beispiel ist das Fokus-Stacking. (Da werden mehrere Bilder mit verschiedenen scharfen Ebenen erstellt und baut diese dann hinterher in der Software zusammen, wodurch ein Bild mit extrem großer Tiefenschärfe entsteht). Das können mittlerweile manche Kameras auch intern, aber nicht mit der Genauigkeit und so akkurat, wie es für unsere Kund:innen wichtig ist. Wir haben für den Makrobereich einen Einstellschlitten entwickelt, ein hochpräzises Teil. Das war eine extrem aufwendige Entwicklung, vor allem von der Steuerung und Programmierung her. Da gab es in der Entwicklung einen Punkt, an dem wir uns hingesetzt haben und entscheiden mussten: Entweder stampfen wir das Projekt ein oder wir ziehen es durch. Letztlich haben wir uns entschieden, es durchzuziehen, und das präziseste Gerät entwickelt, das man in diesem Bereich bauen kann. 2018 auf der Photokina wurde der Castel-Micro vorgestellt und unsere Erwartungshaltung war: Wenn wir davon 20 Stück im Jahr verkaufen, dann werden wir irgendwann wenigstens die Kosten wieder reinholen. Es stellte sich schnell heraus: Die Möglichkeiten des Gerätes sind sehr interessant und es verkauft sich richtig gut. Dieses Beispiel zeigt, man muss auch Risiken eingehen, in Vorleistung gehen und es gibt nie die Sicherheit, dass es klappt. Aber wir versuchen immer, die Sachen bis zum Ende durchzuziehen und keine Kompromisse bei der Qualität zu machen. Das zeichnet uns aus und das hat bisher immer funktioniert.

Ist es eine Balance zwischen wirtschaftlichem Denken und einer Verpflichtung der Fotografie gegenüber?

Ja durchaus. Jede Firma muss wirtschaftlich sein, sonst geht es nicht lange. Aber als reiner Familienbetrieb haben wir nicht den Druck von Aktionärsversammlungen, wo jedes Vierteljahr bessere Zahlen präsentiert werden müssen. Wir können, wenn etwas entwickeln wollen, mal in einem Quartal mit Plus-Minus-Null rausgehen oder mal einen Monat weniger Gewinn machen und dafür dann im nächsten etwas mehr. Solange es unterm Strich passt und alle unsere Mitarbeitenden ihr Geld kriegen, ist eigentlich alles gut.

Produziert ihr alles in Deutschland?

Wir produzieren hier im Werk in Memmingen praktisch 95 % unserer Sachen selber, . Das kann man sich auch anschauen, wenn man vorbeikommt. Ein paar Sachen, die es eben nicht in Deutschland oder Europa gibt, die müssen wir zukaufen. Zum Beispiel die Carbonbeine von Stativen.Die in Deutschland zu produzieren, ist nicht möglich. Aber alles, was an Metall- und Fräsarbeiten anfällt, egal ob Stahl, Aluminium oder Messing, machen wir in Eigenleistung.

Wohin wird die Zukunft von Novoflex gehen? Was sind die nächsten Projekte, an denen ihr arbeitet?

Ich kann verkünden, dass Novoflex ab sofort auch Lichttechnik anbietet. Das haben wir viele Jahre nicht im Angebot gehabt, aber wir haben jetzt die Firma HEDLER übernommen. Das ist auch ein traditionsreicher deutscher Hersteller von LED-Studiolicht für Foto und Film. Wir wollen dieses Thema auch weiterentwickeln und sind bereits dabei, zusammen mit HEDLER und anderen Partnern ein Lichtsystem für extreme Makrofotografie zu entwickeln. Die ersten Prototypen dafür sind bereits fertig und wir werden das sicher demnächst zeigen. Also das Thema Licht wird in Zukunft neben den anderen Hauptbereichen Stativ, Adaptertechnik, Panorama- und Makrofotografie auch eine große Rolle bei uns spielen.

Menschen haben ihre Geheimnisse in ihren RäumenAnne Schönharting im Interview

Mittwoch, 7. Dezember 2022

Die Fotografin Anne Schönharting hat für ihre Arbeit "Habitat" Menschen in Charlottenburg in ihren Wohnungen porträtiert. Die Prints für die aktuelle Ausstellung zum Projekt entstanden in den p:berlin laboratories. Wir sprachen mit ihr über Bilder, Menschen und Geheimnisse.

Habitat, Anne Schönharting — © Anne Schönharting

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Anne Schönharting ist seit 1999 Mitglied der Agentur Ostkreuz und unterrichtete als Gastprofessorin bereits an der Bauhaus-Universität Weimar und an der Muthesius Kunsthochschule in Kiel. In ihren fotografischen Arbeiten widmet sie sich unterschiedlichsten Themen und Genres, von Porträts kirgisischer Nomaden über Modefotografie bis zu Dokumentarfotografien aus Irland oder Indien. 2020 erschien ihr preisgekröntes erstes Buch „Das Erbe“, eine Auseinandersetzung mit der kolonialen Vergangenheit ihrer Familie. Im Oktober 2022 erschien ihr neues Buch „Habitat“, für das sie über zehn Jahre hinweg Menschen in ihren Wohnungen in Berlin-Charlottenburg portraitierte und inszenierte. Eine Ausstellung dazu läuft noch bis zum 11. Dezember im Haus am Kleistpark. Die Prints für die Ausstellung entstanden in den p: berlin laboratories.

Du warst jüngst in den p: berlin laboratories und hast dort an einem Projekt gearbeitet. Worum ging es dabei?

Ich bin schon seit vielen Jahren regelmäßig in der Werkstatt und printe dort immer wieder Bilder für meine Projekte. Ich bin wahrscheinlich schon seit den ersten Tagen dabei, quasi ein alter Hase, und nutze hauptsächlich den Drucker für Prints.

Wie ist es für dich, in der Werkstatt von p: berlin zu arbeiten?

Ich finde die Arbeit dort sehr angenehm und fühle mich auch gut betreut. Alexander ist immer sehr aktiv und hilft allen, und durch die gute Einarbeitung bin ich jetzt relativ sicher mit meinen Prints. Das ist echt ein super Workflow. Für uns Fotograf:innen und Künstler:innen ist es eine wunderbare Möglichkeit. Es ist toll, in der Werkstatt selbst kostengünstig die großen Prints machen zu können, und das Ergebnis ist immer sehr befriedigend.

Wirst du in Zukunft auch die neue Digitalisierungsstation nutzen?

Bisher hat sich das aus Zeitgründen noch nicht ergeben, aber ich habe ein großes Negativ-Archiv und kann mir gut vorstellen, es in Zukunft mal zu sichten und zu digitalisieren.

Welche Arbeiten hast du zuletzt bei p: berlin gedruckt und worum geht es in deiner aktuellen Ausstellung im Haus am Kleistpark?

Der Titel meiner aktuellen Arbeit ist Habitat. Ich habe dafür zehn Jahre lang in Berlin Charlottenburg fotografiert und mich darauf konzentriert, Porträts, Szenen und Stillleben in einem Stadtbezirk festzuhalten. Es geht dabei aber gar nicht um Charlottenburg, der Stadtbezirk könnte genauso gut auch in New York oder in Paris sein. Es geht eher um eine gewisse Gesellschaftsschicht von Menschen, die ich beobachtet habe. Die Bilder, die dabei entstanden sind, sind teilweise sehr poetisch und mitunter ein bisschen skurril oder seltsam. Die ganze Arbeit, insgesamt 54 relativ großformatige Bilder, habe ich jetzt während des ganzen Sommers für die Ausstellung im Haus am Kleistpark geprintet.

Wie bist du auf dieses Sujet eines Gesellschaftsporträts gekommen?

Das hat sich ergeben, weil meine Agentur Ostkreuz sehr eng mit co/berlin verknüpft ist. Und als co/berlin vom alten Postamt in Mitte in das Amerikahaus umgezogen ist, haben wir mit Ostkreuz eine kleine Eröffnungs-Ausstellung produziert, in der es um die neue Nachbarschaft, also Charlottenburg, ging. Ich fand es sehr interessant, das Viertel fotografisch zu erkunden. Es gibt dort sehr interessante Menschen, die sehr mondän leben. Ich wollte die Leute in ihren Wohnungen porträtieren. Damit habe ich dann begonnen und dabei ergaben sich immer neue Kontakte und es ging weiter.

Hast du in der Zeit des Projektes etwas Neues kennengelernt, hat dich etwas überrascht?

Langzeitprojekte sind prädestiniert dafür, dass man selber daran wächst und ich würde sagen, dass das bei diesem Projekt auch der Fall war. Ich bin fotografisch daran gewachsen und außerdem hat sich durch dieses jahrelange Porträtieren auch eine gewisse Erfahrung angesammelt. Es ist insgesamt eine große Bereicherung gewesen, weil ich unglaublich viel interessante Persönlichkeiten kennengelernt habe und ganz tolle Gespräche hatte. Und das Fotografische war natürlich ein Fest, denn die Motive, die Wohnräume und die Menschen waren spektakulär und haben sich sehr auf mich eingelassen, mir vertraut. Die Arbeit war dadurch sehr zeitaufwendig, es gab vor jedem Porträt Vorgespräche und die Aufnahmen selber waren richtige Sessions, die teilweise einen halben Tag oder länger dauerten. Da ist schon etwas gewachsen und das hat mich in den letzten zehn Jahren begleitet und bereichert.

Die Bilder sind in der Tat sehr beeindruckend! Du hast die intensive Vorbereitung und die aufwendigen Shootings bereits erwähnt – sind die Bilder auch inszeniert oder hast du alles so festgehalten, wie du es vorgefunden hast?

Der Schwerpunkt lag auf einer Inszenierung. Es ging mir nicht darum, die Realität originalgetreu zu dokumentieren, ich wollte eher die Essenz beschreiben. Das bedeutete zum Teil auch, dass wir einen ganzen Raum leergeräumt oder Möbel umgestellt haben. Manchmal ist es aber auch so perfekt gewesen, wie es war. Ich habe oft schon vorher Probeaufnahmen von den Räumen gemacht, und meistens habe ich es während des Fotografierens wieder verworfen und etwas ganz anderes gemacht. Es ist eigentlich immer anders gekommen, als ich dachte – das war ein organischer Prozess. Zum Ende hin wurde es immer szenen-artiger, mich hat zunehmend so ein filmisches Moment fasziniert.

Was versuchst du mit deinen Bildern festzuhalten oder zu zeigen? Was ist dir in deinen Arbeiten besonders wichtig?

Einerseits reizt mich das Individuelle einer Person. Aber gleichzeitig finde ich es auch immer sehr interessant, wenn in der Serie dann etwas Übergreifendes, Allgemeingültiges zum Vorschein kommt, so dass dann ein Porträt auch eine gewissen Gesellschaftsschicht als Ganzes repräsentieren kann. Bei der Habitat-Serie fand ich es interessant, so eine Art Essenz dieser Personen und ihrer Lebensbereiche einzufangen. Da spielt sich auch viel im Unterbewusstsein ab. Ich glaube, dass der Raum, in dem man lebt, immer auch ein Spiegel dessen ist, was im Innern eines Menschen ist und wo man gerade steht. Selbst wenn jemand sich gar nicht einrichtet und alles so lässt wie es ist, ist das auch ein Verweis auf eine bestimmte Haltung. Ich glaube, Menschen haben ihre Geheimnisse in ihren Räumen. Deswegen habe ich auch immer versucht, unsichtbar zu sein und die Menschen so zu zeigen, wie sie allein sind. Da fallen dann auch die Fassaden.

Was meinst du damit?

Ein Beispiel: Wenn man allein im Raum ist, lächelt man nicht. Ich glaube, man lächelt eigentlich nur für andere, was ja auch sehr schön ist, weil wir soziale Wesen sind. Aber in dem Moment, in dem man in seinem Raum ist, wird man zum Solitär. Und was ändert sich dann, was zeigt es von einem? Da kommen alle Facetten zum Vorschein, von Trauer bis zu Schönheit und Freude. Darüber habe ich während des Projektes viel nachgedacht und es fasziniert mich nach wie vor.

Jetzt wird dein Projekt in einer Ausstellung im Haus am Kleistpark gezeigt, die noch bis 11. Dezember 2022 läuft. Was gibt es dort zu sehen? Zeigst du alle Arbeiten oder eine Auswahl?

Es ist eine Auswahl. Das komplette Projekt zeige ich in dem Buch, das enthält 30 weitere Abbildungen, die man in der Ausstellung nicht zu sehen bekommt. Die Ausstellung kann man sich als eine Reise vorstellen, auf der man eine geheimnisvolle Welt entdecken kann. Zumindest hoffe ich, dass man es so empfindet – aber es ist immer schwierig, so über die eigene Arbeit zu sprechen. Am besten gehen die Leute einfach hin und schauen es sich an.

Hast du schon Pläne für die Zukunft über die aktuelle Ausstellung hinaus? Worauf können wir uns als nächstes freuen?

Da gibt es momentan noch nichts Spruchreifes. Ich denke ich werde auf Reisen gehen und ich möchte auch mal einen Gang runterschalten. Nicht im Sinne einer Kreativpause, eher als Beschäftigung mit Kreativität an sich. Und dann mal schauen, was ich dabei so ausbrüte.

Dokumentation der Ausstellung « Habitat » der Fotografin Anne Schoenharting im Haus am Kleistpark, Berlin, 2022, photo © Amélie Losier — Ausstellung « Habitat » der Fotografin Anne Schoenharting im Haus am Kleistpark, Berlin, 2022, © Amélie Losier

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Ausstellung « Habitat » der Fotografin Anne Schoenharting im Haus am Kleistpark, Berlin, 2022, © Amélie Losier

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Ausstellung « Habitat » der Fotografin Anne Schoenharting im Haus am Kleistpark, Berlin, 2022, © Amélie Losier

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Ausstellung « Habitat » der Fotografin Anne Schoenharting im Haus am Kleistpark, Berlin, 2022, © Amélie Losier

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“Verlustfrei ins Digitale”Fotograf Ludwig Rauch im Interview

Donnerstag, 13. Oktober 2022

Zwischen Seminarraum, Atelier und Museum schaute der Fotograf Ludwig Rauch in der Werkstatt von p:berlin vorbei, um Teile seiner Bestände für eine Ausstellung zu digitalisieren. Wir sprachen mit ihm über Möglichkeiten der Digitalisierung und Perspektiven der künstlerischen Fotografie.

Der Fotograf Ludwig Rauch arbeitet an der neuen Digitalisierungsstation in den p: berlin laboratories. , © p: berlin

Ludwig Rauch ist seit vielen Jahren als Fotograf im Geschäft. Nach dem Abschluss von zwei Fotografie-Studiengängen – an der Karl-Marx-Universität Leipzig und an der Hochschule für Grafik und Buchkunst bei Arno Fischer – verließ er Anfang 1989 die DDR und arbeitete als freier Fotograf in Westberlin. Seitdem porträtierte er zahlreiche Figuren aus Kunst, Kultur und Öffentlichkeit – von Sigmar Polke bis Rio Reiser und von Muhammed Ali bis Anna Thalbach. Seit 2009 ist Rauch außerdem Dozent an der Ostkreuzschule und betreut regelmäßig die Abschlussjahrgänge. Für seine neueste Ausstellung in Leipzig digitalisierte und druckte er in den p: berlin laboratories einige seiner Arbeiten.

Du warst bereits zu DDR-Zeiten als künstlerischer Fotograf und Bildreporter tätig, seit 2009 bist du nun Dozent an der Ostkreuzschule in Berlin. Arbeitest du heute auch noch selber künstlerisch?
Ludwig Rauch: Ja, im Moment bereite ich mich auf meine Ausstellung im Museum der Bildenden Künste in Leipzig vor. Sie wird am 12. Oktober eröffnet und trägt den Titel “Porträt und Abstraktion”. Es wird dort einen Raum mit Porträts von Leipziger Künstlern geben. Das stellt einen Bezug zur großen Ausstellung “Bilderkosmos” im selben Haus her, in der Malerei der Leipziger Schule aus den vergangenen 120 Jahren gezeigt wird. Da ich bereits seit 1982 Künstler porträtiere, lag die Idee nahe, dass wir aus meinen Porträts die Künstler auswählen, deren Bilder in der Ausstellung hängen. Dafür sind auch zuletzt noch acht neue Portraits entstanden, so kommen wir jetzt auf 28 Porträts. In zwei weiteren Räumen werden außerdem aktuelle Arbeiten von mir gezeigt, die eher in den Bereich der Abstraktion gehen und die Verbindung zwischen Fotografie und Malerei erkunden.

Was ist die Verbindung zwischen den Porträts? Und gibt es eine inhaltliche Verbindung zwischen den Porträts und den abstrakten Bildern?
Mein erstes Porträt habe ich 1982 gemacht, das zieht sich seither wie ein roter Faden durch mein Schaffen. Ich habe viele dieser Porträts auch auf meiner Webseite. In den letzten 40 Jahren habe ich vor allem immer wieder Künstler dargestellt. Das ist eine Reminiszenz an diesen Arbeitsbereich. Seit Anfang der 90er Jahre beschäftige ich mich in meinen künstlerischen Arbeiten zunehmend mit der Verbindung zwischen Fotografie und Malerei. Also, was kann die Fotografie, das die Malerei nicht kann, und umgekehrt – diese Fragen faszinieren mich.

Du warst kürzlich in den p: berlin laboratories zu Gast und hast Prints für die Ausstellung gemacht. Kannst du etwas darüber erzählen, wie du den Werkstattbesuch und die Arbeit hier erlebt hast?
Die Werkstatt ist mir schon seit einer Weile vertraut und ich finde die Atmosphäre sehr angenehm. Für die Produktion meiner Ausstellung in Leipzig habe ich die Infrastruktur der Werkstatt nun auch wieder genutzt. Meine Bilder sind oft sehr groß, die kleinsten sind etwa 60 cm an der langen Seite, aber viele haben 1,60 m oder sogar 1,80 m Kantenlänge und es ist immer eine Herausforderung, mit solchen Maßen zu arbeiten. In der Werkstatt von p: berlin kann man aber auch mit so großen Formaten wunderbar arbeiten.

An der neuen Digitalisierungsstation kann man unter anderem viele unterschiedliche Vorlagen und Formate bearbeiten. Hast du die Digitalisierungsstation genutzt und, falls ja, hat sie sich in der Praxis für dich bewährt?
Die Flexibilität der Digitalisierungsstation war einer der Gründe, warum ich mich entschieden habe, es bei euch zu machen. Meine frühen Porträts sind zum Teil noch mit Kleinbild und Schwarzweiß fotografiert, natürlich analog. Aber in 40 Jahren ändert sich natürlich die Aufnahmetechnik. Das Material reicht also von Kleinbild über Mittelformat bis hin zur Plattenkamera, also vier mal fünf Inch. Diese Negative, und teilweise auch Positive, habe ich zwar mal gescannt, aber sie haben natürlich nicht immer die Qualität gehabt, die man braucht, um sie in einer Museumsausstellung zeigen zu können. Da war das neue Gerät in der Werkstatt eine sehr gute Option.

Fotografie von Ludwig Rauch in der Digitalisierungsstation bei p: berlin — Mit Fokusmarkern kann ein Autofokus gesetzt werden, © Ludwig Rauch / p: berlin / Phase One

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Porträt von Bernhard Heisig, 1994, © Ludwig Rauch

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Was hat dir besonders an der Arbeitsweise gefallen?
Die wesentlichen Punkte waren zum einen die Geschwindigkeit und zum anderen das sehr einfache Switchen zwischen den Formaten. Man wechselt einfach nur den Filmhalter aus, das sind zwei Handgriffe, und dann kann man sofort mit dem nächsten Format weiterarbeiten. Das finde ich sehr clever gelöst und es geht vor allem sehr schnell. Effizienz ist ein großes Thema bei unserer Arbeit und es ist wirklich sensationell, wie schnell das geht, wenn man die Einstellung einmal hat. Ich muss aber auch dazu sagen, dass ich von Haus aus mit Phase One und Capture One bereits Erfahrungen habe. Aber Alexander Schippel war als Werkstattleiter auch vor Ort und hat mir wenn nötig sehr gut weitergeholfen und mich angeleitet.

Was geschieht mit den Daten nach der Digitalisierung?
Die Datei, die man erhält, ist sehr groß – sie enthält sicher ebenso viele Informationen wie ein altes Negativ und das reicht bei weitem für alles aus, was man damit dann im Print machen will. Die Daten werden mit dieser hochqualitativen Digitalisierungstechnik quasi verlustfrei aus der analogen Welt ins Digitale übersetzt. Man muss dann natürlich noch Zeit für die Nachbearbeitung investieren, wenn man ein optimales Ergebnis will. Ich habe mir die Dateien mit in mein Atelier genommen und dort bearbeitet, genauso, wie ich es mit analogen Negativen auch mache. Als alles fertig war, bin ich dann wieder hergekommen und habe hier in der Werkstatt alles ausgedruckt.

Du bist auch Dozent an der Ostkreuzschule – ist ein Angebot wie die p: berlin laboratories für deine Schüler:innen wichtig, wo sie Zugang zu High-End-erhalten?
Ich habe den Studierenden ans Herz gelegt, dass sie ihre Arbeiten bei p: berlin drucken können. Die Werkstatt von p: berlin ist einfach ein verlässlicher Ort, um seine Abschlussarbeit zu drucken. Hier werden die Geräte fachkundig betreut und regelmäßig gewartet.

Wolfgang Smy, 2014, © Ludwig Rauch

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Franziska Holstein, 2005, © Ludwig Rauch

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Gundula Schulze, 1988, © Ludwig Rauch

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Titus Schade, 2022, © Ludwig Rauch

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Walter Libuda, 2014, © Ludwig Rauch

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Du bist schon lange in der Fotografie-Szene unterwegs und kennst sowohl den Nachwuchs als auch Leute, die schon lange im Geschäft sind. Welche Rolle spielt aus deiner Sicht ein Verein wie photography unlimited e.V. und welche Funktionen kann er in diesem Kosmos erfüllen, der mit großen Herausforderungen zu kämpfen hat?
Ich finde schon allein mit dem Ort, der hier geschaffen wurde, ist eine interessante Institution, ein spannendes Umfeld entstanden. Generell ist Schöneweide immer eine Reise wert für Foto-Interessierte. Ich denke, das kann sich hier zu einem super Treffpunkt vor allem auch für die jüngeren Fotograf:innen entwickeln. Und die Möglichkeit, hier für einen extrem sportlichen – also geringen – Beitrag seine Archive zu digitalisieren und hochqualitative Drucke zu machen, ist natürlich auch ein Faktor. Ich glaube, dass das hier ein sehr guter Ort für den Austausch ist und ein Treffpunkt für die Szene werden kann.

In der künstlerischen Fotografie wird es zunehmend schwieriger, weil es einen wachsenden kommerziellen Druck gibt. Sind Initiativen wie der Verein photography unlimited e.V., die aus der Szene heraus entstehen, aus deiner Sicht ein guter Weg, um sich für die Zukunft zu rüsten und die Herausforderungen solidarisch anzugehen?
Das ist ein Riesenthema, wo fängt man da an? Als die Pandemie kam, hat man sehr schnell gemerkt, welche finanziellen Schwierigkeiten plötzlich auf viele Fotograf:innen zukamen. Es gab keine Veranstaltungsfotografie mehr und für die Studierenden gab es auch keine Nebenjobs mehr. Junge Fotograf:innen wurden von einer Minute auf die andere teilweise ihrer Existenz beraubt, weil sie keine Möglichkeiten hatten, Geld zu verdienen. Nun kommen der Krieg und die Energiekrise hinzu – der finanzielle Druck wird immer höher und viele Fotograf:innen leiden sehr darunter. Daher sind Angebote wie die Werkstatt von p: berlin, in der man zum kleinen Preis Top-Technik nutzen kann, sehr wichtig in diesen Zeiten. Denn viele Fotografierende können es sich auf Dauer nicht leisten, ihre Arbeiten in große Labore zu geben. Aber es kommen natürlich noch viele weitere Aspekte hinzu – etwa, was an Honoraren gezahlt wird und wo es überhaupt noch Aufträge im Bereich sozial-dokumentarischer Fotografie gibt. Die Zeiten sind im Moment schwierig und ein Angebot wie das von p: berlin hilft sicher vielen, die trotzdem weitermachen und ihre Arbeiten ausstellen wollen.

„Ich lüge dich nicht an“Ein Interview mit dem Fotografen Stephan Gladieu

Dienstag, 4. Oktober 2022

Der Fotograf Stephan Gladieu vermischt in seinen Bildern künstliche Ästhetik und reale Zustände, Dokumentarisches und Künstlerisches. In den p: berlin laboratories entstanden die Prints für seine Ausstellung „Through their eyes“, die noch bis 05.11.2022 in der Joshua Tree Gallery of Contemporary Art zu sehen ist.

"SUPERMARKET", 2017, Aus der Serie: North Korea, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 14, © Stephan Gladieu

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"OPEN EYE", 2017, Aus der Serie: North Korea, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 14, © Stephan Gladieu

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"FACTORY DOCTOR", 2017, Aus der Serie: North Korea, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 14, © Stephan Gladieu

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"PYONGYANG ELEPHANT", 2017, Aus der Serie: North Korea, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 14, © Stephan Gladieu

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"WHERE IS JAMES", 2017, Aus der Serie: North Korea, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 14, © Stephan Gladieu

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„Stephan Gladieu begann seine Karriere 1989 mit der Berichterstattung über Krieg und soziale Fragen und reiste durch Europa, Zentralasien und den Nahen Osten. Der Reporter der ersten Stunde nutzte sehr schnell das Porträt, um die Situation der Menschen auf der ganzen Welt zu veranschaulichen. Heute produziert er immer noch Reportagen und Porträtserien für internationale Magazine, konzentriert sich aber vor allem auf seine persönliche und künstlerische Arbeit mit Porträtserien, deren DNA die Farbe und die strenge Komposition ist. Er mag den ikonischen Charakter eines Bildes, seine Frontalität, seine Lesbarkeit und die Grenze zwischen real und irreal. Seine letzten Serien sind hauptsächlich in Asien und Afrika entstanden. Heute werden die Arbeiten von Stephan Gladieu in führenden Publikationen in Frankreich und international veröffentlicht.” (Quelle: https://www.stephangladieu.fr/bio/)

Das Interview wurde aus dem Englischen übersetzt.

Die Drucke für deine aktuelle Ausstellung „Through their Eyes“ sind in der p: berlin laboratories entstanden. Worum geht es in der Ausstellung?
Die Ausstellung umfasst drei verschiedene Projekte. Das erste ist die Serie „Nordkorea“, eine Serie von Porträts, die das Produkt einer intensiven Auseinandersetzung mit den kulturell-politischen Gemeinschaften innerhalb dieses Staates sind. Dann gibt es „Egungun“, für das ich zum Volk der Yoruba in die Region zwischen Benin und Nigeria gereist bin und die Rituale des Todes und der Ahnen erlebt habe. Und das letzte Projekt war „Homo Detritus“, über das Kunstkollektiv „ daku, ya la vie est belle“ in Kinshasa. Das sind Künstler:innen, die aus dem Müll der Stadt Kostüme und Masken herstellen. Alle meine jüngsten Serien basieren auf einer Art von Porträt, die ich Spiegelporträts nenne. Bei diesen Porträts schauen die Leute immer zu mir oder in mein Objektiv. Wenn du also vor den Bildern stehst, schauen sie dich an. Das hat die Beziehung zu den Bildern für mich völlig verändert, denn es ist eine Face-to-Face-Situation. Außerdem spiele ich mit der ikonischen Darstellung und Bedeutung der Bilder.

Was meinst du, wenn du von Ikonen sprichst?
Ich spreche nicht von dem religiösen Zweck traditioneller Ikonen, sondern eher von der Konzeption einer Ikone als Bild. Das Motiv steht bei diesen Bildern im Mittelpunkt und es schaut einen immer direkt an. Als Bild sind Ikonen sehr einfach, farbenfroh und leicht zu verstehen. Sie wurden geschaffen, um die Aufmerksamkeit der ungebildeten Menschen zu wecken und eine religiöse Botschaft zu vermitteln, die sie leicht verstehen und an die sie glauben können. Es war also wirklich ein Mittel der Kommunikation. Ich spreche nicht darüber, was eine Ikone in Bezug auf die Spiritualität darstellt, ich verwende nur die Techniken und den Bildprozess der Ikonen und setze sie in einen neuen Kontext. Das hat es schon früher gegeben: Zunächst wurden Ikonen verwendet, um eine religiöse Botschaft zu vermitteln, dann wurden sie von den Kommunisten und den Nazis benutzt, um eine politische Botschaft zu übermitteln. Und nach dem Zweiten Weltkrieg nutzten die Amerikaner sie, um uns durch Marketing und Werbung Produkte zu verkaufen. Trotz all dieser Bedeutungsänderungen sind die Grundregeln für Ikonen gleichgeblieben. Es sind sehr einfache Bilder und das Motiv schaut den Betrachter immer direkt an, von Angesicht zu Angesicht.

Du kommst aus der Dokumentarfotografie. Inwieweit beeinflusst das die Art und Weise, wie du jetzt Porträts machst?
Ich lasse mich von der Mischung aus Dokumentation und Ästhetik inspirieren, das ist für mich sehr wichtig. Was man auf meinen Bildern sieht, ist also immer echt: Das Motiv ist echt, der Hintergrund ist echt. Wenn ich ein Porträt mache, habe ich die Person normalerweise sehr nah an dem Ort getroffen, den ich als Hintergrund gewählt habe, vielleicht 60 oder 70 Meter. Inspiriert wurde ich von dem deutschen Fotografen August Sander, der in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts arbeitete und für die Porträtfotografie sehr wichtig war. Er war immer auf der Suche nach der deutschen Identität. Er hatte eine interessante Art, sich den Menschen zu nähern und das inspiriert mich. Der Unterschied ist, dass ich Farbfilm verwende. Ich würde gerne sagen, dass ich ein Kolorist bin, weil ich wirklich gerne mit Farben spiele. Und dafür benutze ich auch Blitzgeräte. Ich bin eigentlich ein Straßenfotograf, der früher in einem mobilen Studio gearbeitet hat, und eines Tages beschloss ich, das tragbare Studio mit auf die Straße zu nehmen.

Gibt es so etwas wie eine rote Linie, die in allen deinen Arbeiten erkennbar ist? Was willst du mit deiner Fotografie vermitteln?
Ich bearbeite meine Bilder nicht wirklich. Der Hintergrund ist der Hintergrund, den ich gefunden habe, die Menschen, die du siehst, sind die Menschen, die ich getroffen habe. Ich wähle die Verbindung, die Beziehung zwischen den Menschen, die ich treffe, und dem Hintergrund, das ist meine einzige Einmischung. Und wie ich schon sagte, ist der Hintergrund nie weiter als hundert Meter von dem Ort entfernt, an dem ich die Menschen getroffen habe. Alles, was du auf den Bildern siehst, ist also real. Was die ästhetischen Regeln angeht, die ich befolge, so mag ich es normalerweise, nicht mehr als drei Farben in einem Bild zu haben, und ich achte sehr darauf, wie ich meine Bilder einrahme. Es gibt also einen bestimmten Prozess, an den ich mich halte, und das ist wichtig für mich, da ich aus der Dokumentarfotografie und dem Fotojournalismus komme.

"THE TYRE MAN", 2020, aus der Serie "Homo Detritus", Fine art print on Hahnemühle, Edition of 9 , © Stephan Gladieu

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"FLIP FLOP", 2020, aus der Serie "Homo Detritus", Fine art print on Hahnemühle, Edition of 9 , © Stephan Gladieu

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Warum hast du beschlossen, dich der künstlerischen Fotografie zuzuwenden?
Ich hatte die Art und Weise satt, wie unsere Bilder und ihre Symbolik verwendet werden. Meine Arbeit als Künstler ist für mich ein Weg, die Macht der Symbolik zurückzuerobern und zu kontrollieren, was ich in die Bilder setze. Ich wähle das Thema, ich entwerfe das Bild und ich stelle es dir vor die Nase. Und ich lüge dich nicht an: Man sieht, dass ich da bin, man sieht, wie ich das Licht benutze und es ist sehr direkt. Gleichzeitig spiele ich mit dem Licht und das erzeugt ein Gefühl, bei dem man sich fragt, ob es echt ist oder nicht. Man weiß nicht, ob ich das Bild vor einem Greenscreen oder live vor Ort aufgenommen habe; ob ich das Material in Photoshop bearbeitet und zwei Bilder gemischt habe oder nicht. Ich spiele gerne mit diesem Verhältnis zwischen real und irreal, weil man sich dann fragt: Was ist da? Wo ist die Realität? Was du siehst, ist meine Realität zu einem bestimmten Zeitpunkt, als ich das Bild aufgenommen habe.

Einige der Drucke für deine aktuelle Ausstellung in der Joshua Tree Gallery of Contemporary Art (USA) entstanden in den p: berlin laboratories in Berlin. Wie wichtig ist eine solche Infrastruktur und ihre Verfügbarkeit für dich und deinen Arbeitsprozess?
Es ist sehr wichtig für mich, weil ich die ganze Arbeit, den fotografischen Prozess, den meine Bilder durchlaufen, teile. Ich bin der erste, der in diesem Prozess agiert, wenn ich das Bild vor Ort mit meinen Assistenten aufnehme. Ich wähle das Motiv, den Ort, die Beleuchtung usw.

Dann gibt es die zweite Phase, die Postproduktion. Ich arbeite mit meiner guten Freundin Camille zusammen, die viel jünger ist als ich. Es ist sehr interessant, denn sie ist nie mit mir vor Ort, aber sie kennt mich sehr gut. Wenn ich eine Idee für ein neues Projekt habe, spreche ich immer mit ihr darüber und sie macht mir Vorschläge, wie ich es angehen kann. Sie hilft mir zum Beispiel oft, die richtigen Farben zu finden, denn mit jedem neuen Projekt gibt es eine neue Tonalität.

Und dann gibt es natürlich noch die dritte Phase eines jeden Projekts, den Druck. Das ist einer der wichtigsten Schritte, denn hier wird die Arbeit materialisiert. Deshalb ist es für mich sehr wichtig, Leute zu haben, die meine Arbeitsweise verstehen und die geleistete Arbeit lesen können. Ich bin sehr sensibel, was das angeht. Ich mache mir viele Gedanken über die Wahl des Papiers, die letzten Korrekturen und darüber, wie die Drucke letztendlich aussehen.

"Djagba", aus der Serie: Egungun, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 9, © Stephan Gladieu

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"Djagba", aus der Serie: Egungun, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 9, © Stephan Gladieu

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"Gbébo", aus der Serie: Egungun, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 9, © Stephan Gladieu

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© Stepahn Gladieu — "Keneon", aus der Serie: Egungun, Fine art print on Hahnemühle, Edition of 9, © Stephan Gladieu

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Deine Ausstellung „Through their Eyes“ in der Joshua Tree Gallery of Contemporary Art läuft noch bis November 2022 – was wird dein nächstes Projekt sein, was können unsere Leser:innen in Zukunft von dir erwarten?
Zum ersten Mal mache ich ein großes Projekt in Frankreich. Ich mache eine Serie von Porträts von Franzosen im Urlaub. Der Bezug zur französischen Identität ist sehr stark, die Franzosen legen großen Wert auf soziale Rechte und Arbeitnehmerrechte und wir waren das erste Volk, das unter Napoleon eine bezahlte Freistellung von der Arbeit eingeführt hat. Jeder wird also dafür bezahlt, dass er einen Teil des Jahres nicht arbeitet, um seine Familie zu besuchen und sich einfach zu entspannen. Das ist eine sehr französische Sache, denke ich. Ich fahre also von Küste zu Küste, besuche viele typische Urlaubsorte und werde die Menschen in ihrer Urlaubszeit porträtieren. Das Projekt wird 2024 in der französischen Bibliothek ausgestellt, und es wird auch ein Buch geben. Es gibt also eine Menge zu tun.

Mehr Informationen unter:
www.artco-gallery.com
www.stephangladieu.fr

Meilenstein in den p: berlin laboratories:Neue Digitalisierungsstation von Phase Onein der p: berlin Werkstatt

Donnerstag, 22. September 2022

Wir freuen uns, euch / Sie in Zukunft bei uns begrüßen zu dürfen, um selbst die Möglichkeiten des Netzwerkes von p: berlin kennenzulernen.

PhaseOne — Besprechungraum p: berlin, © p:berlin/Hannes Jung

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© p: berlin/Hannes Jung — Yves Richter, Digitalisierungsstatione, © p:berlin/Hannes Jung

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PhaseOne, © p:berlin/Hannes Jung

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Yves Richter, Digitalisierungsstatione, © p:berlin/Hannes Jung

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Yves Richter, Digitalisierungsstatione, © p:berlin/Hannes Jung

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Kristina Zwirner im Gespräch, © p:berlin/Hannes Jung

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Oberschöneweide, Vereinssitz , © p:berlin/Hannes Jung

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Garten, Vereinssitz , © p:berlin/Hannes Jung

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Massimo von Phase One, © p:berlin/Hannes Jung

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p: berlin Werkstatt, © p:berlin/Hannes Jung

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Pünktlich zur diesjährigen Berlin Photo Week haben wir in den p: berlin laboratories in Schöneweide einen wichtigen Meilenstein erreicht. Anfang September durften wir mit unserem Partner Phase One die brandneue Digitalisierungs-Workstation offiziell einweihen.

Dieser Erfolg sollte gefeiert werden! Phase One hat hierzu zahlreiche Partner von Kulturinstitutionen und Archiven sowie Fotograf:innen in unsere Räumlichkeiten eingeladen. Auch unserer Einladung zur Workstation-Einweihung sind viele interessierte Nutzer und Nutzerinnen gefolgt.

Ab sofort bieten wir in Zusammenarbeit mit dem dänischen High-End-Kamerahersteller Phase One künstlerischen Fotograf:innen die einzigartige Möglichkeit, analoges Filmmaterial oder Aufsichtsvorlagen schnell und in höchster Qualität zu digitalisieren. Damit werden die bestehenden Möglichkeiten der p: berlin laboratories neben – dem Analogen Labor – von Scan, Post-Production und Fine-Art-Print um einen wesentlichen Bestandteil ergänzt.

Neben Kurzeinführungen in die Arbeitsweise und Anwendung der Digitalisierungs-Workstation durch Phase One-Spezialist Yves Richter (hier geht es zum Interview mit Yves), konnten sich die Gäste auch über aktuelle Kameratechnik informieren. Massimo Saracino, Sales Director bei Phase One, stand den Interessierten Rede und Antwort zu den neuesten Innovationen aus seinem Hause. Und auch wir konnten in zahlreichen Gesprächen die Gelegenheit nutzen, die Idee von p: photography unlimited e.V. vorstellen und Fragen zu den p: berlin laboratories und der p: berlin academy beantworten.

Es war eine rundum gelungene Veranstaltung, die bis in den Abend ging. Das lag natürlich auch an dem feinen Catering mit italienischen Antipasti und guten Getränken.

Unser herzlicher Dank geht an Yves Richter, Massimo Saracino und Tina Ronit Levine von Phase One. Wir freuen uns, euch / Sie in Zukunft bei uns begrüßen zu dürfen, um selbst die Möglichkeiten des Netzwerkes von p: berlin kennenzulernen.

Digitalisierung per Mausklick – ob Film oder PlakatDigitalisierungsstation von Phase One in der p: berlin Werkstatt

Mittwoch, 20. Juli 2022

Mit einer neuen Digitalisierungsstation des dänischen Herstellers Phase One bietet die p: berlin Werkstatt ab sofort die Möglichkeit, unterschiedlichste Vorlagen vom Print DIN A0 bis zur Durchsichtsvorlage (Negativ/Positiv) effizient und hochqualitativ zu digitalisieren. Im Interview erzählt Yves Richter von Phase One, was das Besondere an dem System ist und welche Vorteile es bietet.

Digitalisierungsstation Phase One IXH © 2022 by p: berlin/Hannes Jung — Digitalisierungsstation Phase One , © 2022 by p: berlin/Hannes Jung

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Digitalisierung Phase One — Negativdigitalisierung mit Phase One , © 2022 by p: berlin/Hannes Jung

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Yves Richter von Phase One © Phase One — Yves Richter von Phase One , © Phase One

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Was ist dein Background und wie bist du zu Phase One gekommen?

Ich bin ausgebildeter Fotograf. Ich habe mich schon in meiner Jugend viel mit Fotografie beschäftigt und habe mit 14 Jahren im Keller meiner Eltern eine eigene Dunkelkammer eingerichtet. Ich bekam dann tatsächlich auch eine Lehrstelle als Fotograf und merkte schon damals, dass mich die Technik dahinter mehr begeistert als die Fotografie an sich. Also legte ich den Schwerpunkt nach meiner Ausbildung auf die technische Fotografie. In der Region Leipzig / Halle, wo ich aufgewachsen bin, war es naheliegend, als Fotograf in der Chemieindustrie tätig zu werden. Und die hat mich damals auch gelockt, nämlich mit der Möglichkeit, mit Farbfilm zu arbeiten, was zu DDR-Zeiten etwas Besonderes war. So bin ich dann Industriefotograf geworden und habe mich mit der Farbfilmentwicklung beschäftigt.

Industriefotografie in der DDR, das klingt spannend. Was genau hast du da gemacht?

Ich war beim VEB Leuna-Werke Walter Ulbricht acht Jahre lang als Fotograf tätig. Da ging es um Industrieanlagen, Kraftwerke, Raffinerien – ich habe damals viele Rohrleitungen fotografiert. Das hat mich schon sehr fasziniert, mehr jedenfalls, als Passbilder zu machen. Und hier kam ich auch zum ersten Mal mit technischen Fachkameras in Kontakt. Wir hatten damals nicht nur die gute alte Mentor-Kamera aus Dresden im Einsatz, sondern auch schon eine Linhof und das hat mich vollends begeistert. So war ich dann meistens derjenige im Unternehmen, der mit Mittelformat und Planfilm unterwegs war.

Und wie bist du dann zu Phase One gekommen?

Ein entscheidender Bruch war für mich natürlich die Wendezeit. 1991 lief es beim Leunawerk nicht mehr und ich schaute mich um. Mit 24 Jahren kam ich dann zum Schweizer Kamerahersteller Sinar. Im Prinzip habe ich damals meinen Job als Fotograf an den Nagel gehängt und bin in den Vertrieb für fotografische Produkte gewechselt, wo ich dann 17 Jahre war. Der Wechsel zu Phase One kam 2008. Die Digitalisierung der Fototechnik war zu diesem Zeitpunkt in vollem Gange und die marktführende Position von Phase One unübersehbar. Ich habe mich also intensiv mit dieser Materie befasst und mich von der Qualität überzeugt – weswegen mir der Wechsel am Ende nicht schwerfiel. Denn es war für mich immer wichtig, dass ich von den Produkten, die ich anderen anbiete, auch selbst überzeugt bin. Heute bin ich bei Phase One Sales Manager für das Gebiet Ostdeutschland.

Stichwort Qualität: Ab sofort gibt es eine Phase One Digitalisierungsstation in der Werkstatt von p:berlin. Woraus besteht die Station und wie genau funktioniert sie?

Zunächst ist es vielleicht interessant zu wissen, dass das, was wir heute an Digitalisierungslösungen anbieten, eine Folge jahrelanger Entwicklung ist. Das ging Schritt für Schritt und über diverse Zwischenlösungen, so dass das Resultat immer besser wurde. Unsere Anlagen sind heute nicht mehr nur bei den Fotografen gefragt, sondern vor allem auch im wissenschaftlichen Bereich und im Bereich Kulturerbe. Wir haben seit jeher viele namhafte Museen und Archive als Kundschaft, die für die Digitalisierung ihrer Bestände eine immer höhere Auflösung verlangen. Daher haben wir uns Gedanken gemacht, wie man den Workflow in dem Bereich verbessern kann. Mit Workflow meine ich eine abgestimmte, koordinierte und vor allem reproduzierbare Arbeitsweise. Wir haben an der Hardware und der Software sehr intensiv und lange gearbeitet und so ist heute ein System entstanden, das im besten Fall 150 Megapixel Auflösung hat. Das bedeutet für den Anwender, er kann eine DIN A0 Vorlage mit 300 dpi digitalisieren, was früher nur mit Großformat-Scannern zu lösen war. Die ersetzen wir heute komplett mit unserem kamerabasierten Digitalisierungssystem. Der Vorteil liegt aber nicht nur in der maximalen Bildqualität, die wir uns immer auf die Fahne schreiben, sondern vor allem auch in der Flexibilität des ganzen Systems.

Was meinst du damit?

Kaum jemand hat nur eine bestimmte Art von Formaten zu digitalisieren. In den meisten Fällen ist es mal ein Buch, mal ein großes Plakat, mal ein Gemälde, aber eben auch Durchsichtvorlagen wie z. B. Filmstreifen oder alte Glasplatten. Für diese Vielfalt an Formaten hätte man früher viele verschiedene technische Geräte benötigt. Mit einem Phase One Digitalisierungssystem und den entsprechenden Komponenten habe ich heute alles aus einer Hand und vor allem alles mit demselben Workflow, so dass diese Flexibilität dort echt ein großer Vorteil ist, den man sonst meiner Meinung nach nirgends findet.

Was ist denn der Vorteil der fotografischen Reproduktion im Vergleich zu einem Scanner?

Die heutigen, hochentwickelten CMOS Sensoren sind der entscheidende Vorteil. Die kommen mit ihrer Auflösung zwar gerade so an die Scan-Technik heran, aber die restlichen Vorteile überwiegen. Ein ganz entscheidender ist zum Beispiel der Dynamikumfang. Mit der modernen Sensor-Elektronik, die heute verbaut wird, erreichen die CMOS Sensoren einen Dynamikumfang von 15 Blendenstufen. Das schaffen Scan-Zeilen bei weitem nicht. Das ist vielleicht bei einem Gemälde nicht entscheidend, weil das nicht so einen hohen Dynamikumfang hat – aber spätestens im Bereich der Filmdigitalisierung, wenn ich also sehr dichte Filme habe, durch die eine Menge Licht dringen muss, um die Bildinformationen zu erfassen, ist es von großem Vorteil. Ein zweiter, ganz entscheidender Punkt ist die Geschwindigkeit: Wenn ich 100 Großformat-Scans machen möchte und jeder Scan dauert zwei Minuten, dann dauert es insgesamt sehr lange. Das ist mit einer kamerabasierten Digitalisierung in einer Sekunde erledigt. Die Zeit, die man braucht, um das Objekt auszutauschen, ist der größte Faktor bei dieser Art der Digitalisierung. Das geht im Prinzip alles vollautomatisch und mit einem Mausklick ist die Vorlage auch schon digitalisiert, egal, ob es ein Film ist oder ein Plakat.

Was sind weitere Vorteile des Systems?

Viele Branchen, gerade im Bereich Kulturerbe, brauchen verbindliche Digitalisate, die einer Eins-zu-Eins-Abbildung des Originals möglichst nahekommen. Dafür gibt es seit vielen Jahren schon diverse Standards auf dem Markt, die in einer ISO-Norm zusammenlaufen, die sicherstellt, dass man reproduzierbare Ergebnisse erhält. Die Farbe ist dabei meist der wichtigste Punkt, aber es gibt noch viele weitere Punkte, die in einem kontrollierten Prozess überwacht werden. Da wäre zum Beispiel die Geometrie und Verzerrung des Bildes, das Auflösungsvermögen und der bereits erwähnte Dynamikumfang. All diese Punkte schaffen wir bei Phase One mit Bestwerten.

Ihr arbeitet viel mit Museen und Kultureinrichtungen zusammen. Kannst du ein paar Beispiele nennen?

Ganz obenan stehen beispielsweise die Staatlichen Museen zu Berlin mit vielen Phase One Systemen. Darüber hinaus arbeiten wir auch mit anderen bedeutenden Einrichtungen zusammen, wie zum Beispiel der Stiftung Preußischer Kulturbesitz, der Klassik Stiftung Weimar oder dem Deutschen Historischen Museum. Auch im internationalen Bereich arbeiten wir mit großen Museen, vom British Museum in London bis hin zum Vatikan.

Können denn Privatpersonen diese Technik überhaupt nutzen? Es klingt ja so, als wenn das eine sehr exklusive Technik ist, die nur im hochprofessionellen Bereich von großen Institutionen eingesetzt wird.

Wir bieten auch Lösungen für Privatpersonen und einzelne Fotografinnen und Fotografen an. Wenn jemand seit 20 Jahre fotografisch tätig ist, hat derjenige vielleicht ein Archiv, dass er digitalisieren möchte, ohne so hohe Investitionen zu tätigen und sich eine ganze Digitalisierungsstation zu kaufen. Diese Leute können das mit einer Phase One Kamera machen, denn das Herzstück ist das hochauflösende Digitalrückteil. Damit lassen sich hochwertige Digitalisierungen machen, die allerdings nicht den hohen Automatisierungsgrad unserer Stationen haben. Das System, das wir nun bei p:berlin installieren, ist letztendlich ein vollautomatisiertes System, das sich hauptsächlich für die Massendigitalisierung lohnt, also für sehr hohe Bestände mit wechselnden Formaten. Somit erhalten die Leute bei p:berlin Zugang zu einer Technologie, die sonst nur in hochspezialisierten Bereichen eingesetzt wird.

Die Verletzbarkeit von Haut und FilmMaik Gräf spricht über sein Fotoprojekt „ZOE“

Mittwoch, 29. Juni 2022

Für sein Projekt zum Thema queere Aspekte in der griechische Mythologie reiste der Fotograf Maik Gräf nach Athen. Die Analogen Abzüge für die Ausstellung entstanden bei p: berlin.

Maik Gräf: „Zoe“, Ausstellungsansicht © Maik GräfMaik Gräf: „Zoe“, Blick in das Fotobuch © Maik Gräf — © Maik Gräf

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Maik Gräf: „Zoe“, Ausstellungsansicht © Maik Gräf — © Maik Gräf

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Was ist deine Connection zu p:berlin und zu der Werkstatt? Was hast du in der Werkstatt gemacht?
Maik Gräf: Ich habe in der Dunkelkammer der p:berlin-Werkstatt Abzüge für eine Ausstellung gemacht, die im Mai gelaufen ist. Die Bilder sind in einem mit Risografie gedruckten Künstlerbuch enthalten, ich wollte aber für die Ausstellung zu dem Projekt ein paar bestimmte Bilder als Abzüge umsetzen und so vom Buch-Raum in den realen Raum bringen.

Um welches Projekt ging es genau?
Das Projekt trägt den Titel „ZOE“ und begann letztes Jahr in Athen. Ich habe dort einen Monat verbracht und mich mit queeren Aspekten in der griechischen Mythologie und Gesellschaft auseinandergesetzt. Das sind Themen, die schon früher fragmentarisch in anderen Arbeiten von mir aufgetaucht sind. Aber für dieses Projekt bin ich dorthin gereist, um wirklich intensiv zu arbeiten und mich mit den archäologischen Sammlungen auseinanderzusetzen.

Wonach hast du gesucht?
Es geht um Darstellungen von Menschen in der Antike, aber auch um eine gewisse queere Verletzlichkeit, die in solchen intimen Aufnahmen von Körpern aus Stein steckt. Das sind ja oft auch zerbrochene und beschädigte Körper. Und als Gegenüberstellung habe ich mich mit Leuten aus der Szene vor Ort vernetzt. Ich kannte tatsächlich niemanden in der Stadt, ich bin auf gut Glück hingefahren und habe gehofft, dass ich Anschluss finde, was dann auch sehr gut geklappt hat.

Worüber hast du mit den Leuten gesprochen?
Wir haben uns vor allem über ihre Erfahrungen als queere Person in Athen ausgetauscht. Welche Hindernisse gibt es in Gesellschaft und Politik? Da gab es hoffnungsvolle Storys, aber auch viele traurige und schmerzhafte Geschichten. Danach haben wir uns noch ein zweites Mal getroffen und ich habe Porträts von den Personen gemacht. In dem Buch kommt dann alles zusammen: die Porträts treffen auf die Skulpturen und auf Fragmente aus der Stadt, Architektur, antike und moderne Ruinen.

Gibt es einen roten Faden, der sich durch deine Arbeit zieht? Ein Motiv oder eine Technik, die immer wieder auftaucht?
Oh ja, es geht eigentlich immer um eine Vermittlung von Emotion und von Sinnlichkeit. Ich versuche sie mit meiner Kamera einzufangen. Und ich nutze bei diesen künstlerischen Projekten auch immer analoge Fotografie, weil das für mich ein sehr körperliches Medium ist, bei dem man den Film und die Körnung erfahren kann und auch mit dem Papier spielen kann. Und in dieser Körperlichkeit liegt wieder die Verbindung zu den Motiven, die ich fotografiere.

Wie sieht diese Verbindung aus?
Die Verletzbarkeit des gezeigten Körpers korrespondiert mit der Verletzbarkeit des Mediums. Ich finde die Oberfläche des fotografischen Films ganz ähnlich wie die der menschlichen Haut, in ihrer Verletzlichkeit. Und wenn ich in den Film reinschneide, passiert etwas ähnliches wie bei meiner eigenen Haut.

Wie war es für dich, in der Werkstatt von p:berlin zu arbeiten?
Es war für mich ein richtiges Geschenk, da arbeiten zu können. Ich habe während meines Studiums sehr viel in der Dunkelkammer meiner Hochschule gearbeitet, doch seit einigen Jahren studiere ich nicht mehr und lebe in Hamburg, wo es keine so gute Infrastruktur gibt. Insofern war es für mich eine sehr intensive Erfahrung, nach so langer Zeit wieder in der Dunkelkammer zu stehen und diese Prozesse zu erfahren, die eigentlich so ein wichtiger Teil meiner Arbeit sind. Ich konnte in der Werkstatt meine Arbeit genauso realisieren, wie ich es wollte. Auch der Rest der Werkstatt ist sehr gut ausgestattet. Ein weiterer Punkt, der für mich sehr positiv war, war die Tatsache, dass ich dort sehr oft allein war und mich richtig intensiv auf meine Arbeit konzentrieren konnte.

Was läuft gerade bei dir jenseits von dem Buch und der Ausstellung? Hast du schon das nächste große Projekt in Planung?
Das aktuelle Projekt ist noch nicht abgeschlossen, es gibt noch sehr viele Fotos in dem Buch – es hat etwa 180 Seiten – mit denen ich noch arbeiten möchte und die ich noch vergrößern und printen möchte. Für mich ist ein Bild noch nicht fertig, wenn ich mit der Kamera auf Film gebracht habe. Der Weg vom Film auf das Papier ist auch noch ein ganzer Arbeitsschritt, in dem noch viel passieren kann. Und ich möchte noch mehr Abzüge aus diesem ganzen Bildkörper realisieren. Außerdem möchte ich auf jeden Fall noch dieses Jahr das Projekt in Athen zeigen, das ist der nächste wichtige Schritt. In der weiteren Zukunft möchte ich gern auch hier in Hamburg und Berlin mich noch mehr vernetzen und mit queeren Leuten arbeiten. Es gibt also noch einiges zu tun.

„Das ist mein waches Auge“Sabrina Weniger und ihr dokumentarisches Fotoprojekt „Jasmine the lovebird“

Freitag, 20. Mai 2022

Für ihr Langzeitprojekt zum Thema Transgender begleitet die Fotografin Sabrina Weniger seit 2017 Chieh. Die einfühlsamen Fotografien werden jetzt unter dem Titel „Jasmine the lovebird“ im Aperture Film Lab gezeigt. Die Prints für die Ausstellung entstanden bei p: berlin.

Aus der Reihe „Jasmine the lovebird“ von Sabrina Weniger © Sabrina Weniger — Aus der Reihe „Jasmine the lovebird“ von Sabrina Weniger, © Sabrina Weniger

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Du hast gerade in der Werkstatt von p: berlin an einem deiner Projekte gearbeitet – worum geht es dabei?
Sabrina Weniger: Ich arbeite an einem Langzeitprojekt mit dem Titel „Jasmine the lovebird“. Dabei begleite ich Chieh und dokumentiere seinen Alltag. Das Thema Transgender ist dabei ein Aspekt von vielen – vorrangig geht es um Identitätssuche. Chieh und ich haben uns seit der Corona Pandemie häufiger getroffen, das Projekt verdichtet. Die Themen wiederholen sich, intensivieren sich, oder neue entstehen.

Was sind das für Themen?
Da ist zum Beispiel das Thema Herkunft: Chieh ist in Taiwan geboren und aufgewachsen, seine Familie ist dann nach Amerika ausgewandert, wo er und seine Schwester zur High School gingen und u.a. auch studierten. Heute lebt Chieh in Deutschland, erst in Düsseldorf, jetzt in Berlin. Ein wichtiger Aspekt seines Lebens sind seine Freunde, die auf der ganzen Welt verteilt leben und auch zu einem wichtigen Teil des Projektes wurden. Im Herbst letzten Jahres habe ich das Projekt ausgestellt. Während des Seminars mit Ina Schoenenburg an der Ostkreuzschule für Fotografie haben wir das Projekt in eine Zwischenform gebracht und sowohl eine Serie für eine Ausstellung als auch für ein kleines Magazin zusammengestellt. Im Magazin selbst sind auch Illustrationen von Chieh und Texte von Teresa Schmidt-Meinecke zu sehen und zu lesen.

Wonach schaust du bei deiner Fotografie, was versuchst du festzuhalten?
Es ist unterschiedlich, aber generell versuche ich, möglichst wenig zu steuern. Bilder entstehen, wenn ich eine Situation begleite, eine Stimmung aufnehme. Im Projekt mit Chieh wiederhole ich teilweise Gesehenes, aber noch nicht Festgehaltenes. Zusätzlich treffen wir uns für geplante Portraits, regelmäßig, immer wieder. Auch um körperliche Veränderungen festzuhalten. Oder nach besonders prägenden Erlebnissen, wie einem Krankenhausbesuch oder nach einer Therapiestunde.

Wie gehst du bei der Arbeit vor?
In meiner Arbeit halte ich mich im Hintergrund und greife selten ein. Generell hadere ich in meiner dokumentarischen Arbeit damit, dass meine Anwesenheit die Situation der Protagonist:innen verändert. Also jede Szene, die ich begleite, verändert sich durch mich – ich als Beobachtende beeinflusse das Beobachtete und umgekehrt. Im Fall des aktuellen Projektes bin ich mittlerweile okay damit, weil Chieh okay damit ist. Zusätzlich versuche ich meine Protagonist:innen nicht in etwas hineinzupressen, was sie nicht sind, sehe aber hin und wieder Dinge, die sie selbst bisher nicht wahrgenommen haben. Das ist mein waches Auge. Auch mag ich einen kollaborativen Ansatz, Fotos gemeinsam entstehen zu lassen.

Was genau hast du in der Werkstatt von p: berlin gemacht?
Ich habe bei p: berlin meine Bilder gescannt und außerdem die Drucke für zwei Ausstellungen im Mai gefertigt.

Wie war für dich als Fotografin die Erfahrung, die Werkstatt zu nutzen?
Ich schätze an der Werkstatt, dass ich dort sehr konzentriert arbeiten kann. Es gibt wenig Ablenkung, so kann ich tief in meine Arbeit einsteigen, ich bin fokussierter. Hin und wieder kommt es auch zu fotografischem Austausch mit anderen Künstler*Innen, was zusätzlich wertvoll ist. Ich mag an p: berlin, dass es wie ein Kollektiv funktioniert: man achtet aufeinander, hilft sich gegenseitig und kann dennoch autark und mit gutem Equipment arbeiten.

Hat dir die Ausstattung der Werkstatt weitergeholfen?
Ja, denn sonst hätte ich die Scans in einem kommerziellen Labor anfertigen lassen müssen und hätte einen weniger direkten Einfluss auf das Resultat gehabt. Dank der Werkstatt kann ich den gesamten Prozess, vom Scannen bis zu den Prints, einheitlich und selbst gestalten. Die Bindung zum Projekt, zur Fotografie wird auch stärker, macht stolz.

Weißt du schon, was dein nächstes Projekt werden wird?
Ich arbeite an einem anderen Langzeitprojekt zum Thema „Altsein“. Nicht nur Altsein, wieder auch Begleitung, ein Tagebuch unseres Sehens. Ich habe einen Freund in München, der Ü80 und Künstler ist, ihn begleite ich bereits seit zehn Jahren. Derzeit versuche ich ihn von einer gemeinsamen Ausstellung zu überzeugen, ich mit Fotografien von ihm und er mit seinen Collagen.

Ausstellungen von Sabrina Weniger:
Duo Exhibition – Sabrina Weniger + Ian Wainaina
19.5.–15.8.2022
Aperture Film Lab, Schlüterstraße 68, 10625 Berlin
Gruppenausstellung THERE WE ARE im Rahmen der 8. Triennale der Photographie Hamburg
31.5.–14.6.2022, Eröffnung: 31.5.2022 ab 19 Uhr
Akademie für Fotografie Hamburg, Gaußstraße 149, 22765 Hamburg

Irritation, Pupertät, Neugeburt Jahrgang FÜNFZEHNAbschlussausstellung der Ostkreuzschule

Mittwoch, 4. Mai 2022

Die Absolvent:innen der Ostkreuzschule präsentieren ihre Arbeiten in der Abschlussausstellung „Jahrgang FÜNFZEHN" der Ostkreuzschule – einige der Fotograf:innen druckten und digitalisierten ihre Arbeiten in den Werkstätten von p: photography unlimited e.V.

© Felix Lampe, aus der Serie "Lichtung", Fine-Art-Print auf Hahnemühle PhotoRag Baryta

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© by Stephanie Ballantine aus der Serie „Degrade me"

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© André Groth aus der Reihe „Am Ende der Sonnenallee"

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© Ken Buslay aus der Serie „Without A Mother, One Cannot Die"

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Bei der Abschlussausstellung „Jahrgang FÜNFZEHN„ der Ostkreuzschule zeigen 23 Fotograf:innen eine große Bandbreite an Projekten und Positionen. Die Arbeiten bewegen sich in einem breitem Spektrum der Fotografie, die Themen reichen von aktuellen gesellschaftspolitischen Betrachtungen bis hin zu intimen Geschichten und Selbstreflexionen.

Die Künstler:innen zeigen Selbstporträts als Domina, neue Blicke auf städtische Landschaften, sie beobachten das Leben mit Tieren und die Seltsamkeiten des Alltags, dokumentieren Wandel, beschäftigen sich aber auch mit dem kontemplativen Sehen an sich. Betreut wurden die Abschlussarbeiten von den renommierten Fotograf:innen Ute Mahler, Linn Schröder und Göran Gnaudschun.

Die Absolvent:innen hatten bei p: berlin die Möglichkeit, unsere professionell ausgestatteten Workstations für Digitalisierung und zum Printen zu nutzen. Im Digitalen Labor von p: berlin stehen derzeit vier Arbeitsplätze zur Verfügung. An zwei Stationen können mit einem Ink-Jet-Drucker Fine-Art-Prints bis zu 162cm Breite gedruckt werden. Außerdem können an einem Hasselblad X1 Scanner und an einer Phase One Digitalisierungsstation hochauflösende Digitalisate erstellt werden.

Ausgewählte Positionen

Zu den gezeigten Positionen zählen u.a. die Arbeiten von Stephanie Ballantine. Ihre Serie „Degrade me“ ist ein non-lineares fotografisches Tagebuch, in dem Ballantine ihr Selbstbild und ihre Erfahrungen als Domina erforscht. Sie reagiert damit auf die Darstellung von Sexarbeiterinnen in der Kunstgeschichte: als deviant und unmoralisch eingestuft, wird ihnen eine eigene kreative Stimme verwehrt. Pornografie und sexuell explizite Bilder werden von „reinen“ Kunstformen abgegrenzt, wodurch der Stil und die Unmittelbarkeit eines Bildes auf ein erotisches Moment beschränkt werden. „Ich möchte den Betrachter und seine Art der Wahrnehmung irritieren, welche nicht selten durch den männlichen Blick bestimmt wird“, sagt die Künstlerin über ihr Werk. Die Digitalisate der analogen Filme hat Stephanie Ballantine in den Werkstätten von p: berlin erstellt.

Der Fotograf Felix Lampe dokumentiert in seiner Serie „Lichtung“ Brachfelder und Bunker, ehemalige Truppenübungsplätze und aufgelassene Gruben in Brandenburg – Landschaften, die einst vom menschlichen Tun gezeichnet waren und in denen unsere Spuren wieder von der Natur überschrieben werden. „Wie in der Lichtung etwas zum Vorschein kommt und zugleich verborgen bleibt, so spüren die Bilder Orten nach, an denen etwas abwesendes anwest“, sagt der Fotograf. Die entstandenen Aufnahmen strahlen eine eigentümliche Melancholie aus. In der Werkstatt von p: berlin entstanden die Fine-Art-Prints, die Felix Lampe in der Ausstellung zeigen wird.

André Groth zeigt in seinem visuellen Essay „Am Ende der Sonnenallee“ (seit 2021) das Aufwachsen in einer Großsiedlung am Rande des Berliner Bezirks Neukölln. Als die Hochhaussiedlungen in den 1970er und 1980er Jahren im Rahmen des sozialen Wohnungsbaus entstanden, waren sie ein Inbegriff für zeitgemäßes Wohnen. Mit der Öffnung der Berliner Mauer verlor das Quartier seine ruhige Grenzlage, büßte an Attraktivität ein und entwickelte sich in den 1990er Jahren durch eine gescheiterte Stadtplanung und Segregation zum sozialen Brennpunkt. André Groths Fotografien zeigen dort lebende Jungen mit familiärer Zuwanderungsgeschichte und werfen ein Licht auf den Beginn der Pubertät und die Herausforderungen und Verletzlichkeit dieser Lebensphase in der Siedlung. In der Werkstatt von p: berlin digitalisierte André Groth seine Arbeiten.

Die Vergänglichkeit und die damit verbundene Möglichkeit des Neuen beschäftigt Ken Buslay. „Alles Leben entspringt dem Tod eines vorherigen“, schreibt der Fotograf über seine eindrücklichen Aufnahmen. „Vergangenes erfindet sich in neuen Formen. Sie schaffen Leben, zerfallen in ihre Teile um Mutter des Neuen zu werden.“ Die Fotos seiner Serie „Without A Mother, One Cannot Die“ changieren zwischen intimen Porträts und abstrakten Motiven, die eine eigene Magie verbindet. Ken Buslays digitalisiert seine Fotografien bei p: berlin.

Die Ausstellung findet in den Räumen des Art & Fashion House Quartier 206 an der Friedrichstraße statt. Ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm aus Kurator:innen-Führungen, Podiumsdiskussionen und Portfolio-Reviews rundet die Werkschau ab. Die gezeigten Arbeiten werden zudem in einem Ausstellungskatalog sowie individuell gestalteten Fotobüchern und Publikationen präsentiert.

Die Abschlussklasse der Ostkreuzschule sind:

Klasse Ute Mahler + Göran Gnaudschun
Alicja Khatchikian, Felix Lampe, Michelle Martins Carvalho, Hannah Haasenritter, Jonathan Scotti, Pascal Reif, Jaakov Pronin, Max Korndörfer, Giulia Facciolo, Sara Toussaint, Sofiane Vergnet

Klasse Ute Mahler + Linn Schröder
Henry Schulz, Ken Buslay, Showmik Khan, Patricia Haas, Anika Spereiter, André Groth, Stephanie Ballantine, Nancy Ludwig, Maria Ugoljew, Ciara-Angela Mission Engelhardt, Katharina Friedrich, Simon Terzer

4# Photographischer Salonam 03. Dezember 2021 ab 19.00 Uhr@ p: berlin

Freitag, 26. November 2021

Gemeinsam Kochen und Essen, sich über Fotografie unterhalten und neue Leute kennenlernen – darum geht es beim „Photographischen Salon“ in den Räumlichkeiten von p: berlin.

Zum inzwischen vierten Mal laden wir künstlerisch arbeitende Fotograf:innen zu uns ein, um den Raum und unsere Arbeit kennen zu lernen und sich mit anderen Fotograf:innen über die gemeinsame Kunst auszutauschen. Wer bei einem der vorangegangenen Abende dabei war, weiß, dass dabei jedes Mal spannende Geschichten, interessante Fotos und nützliches Wissen in der ungezwungenen Atmosphäre die Runde machen.

Die Teilnehmer:innenzahl begrenzen wir auf zehn, damit neben dem gemeinsam gekochten und verspeisten Essen genug Zeit für alle bleibt, sich kennen zu lernen und wirklich auszutauschen. Um eine Spende wird gebeten.

Photographischer Salon #4
03.12.2021, 19.00 Uhr
p: photography unlimited berlin e.V., Wilhelminenhofstraße 68 A, Haus 15, 12459 Berlin
Anmeldung unter: contact@pberlin.net